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Catégorie : Construction

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Construction

Personnage / méthode de développement

développement d’un personnage Le guitariste Ce cours est conçu pour vous guider à travers les étapes essentielles pour dessiner une figure humaine en utilisant un modèle comme référence. Le processus se décompose en trois phases principales : la construction, le développementet la pose des ombres et lumières. 1. La Construction L’étape de la construction est la fondation de votre dessin. Il s’agit de capturer la pose et les proportions générales du modèle avant d’ajouter des détails. L’objectif est de simplifier la figure en formes géométriques de base. Commencez par la vue d’ensemble : Ne vous concentrez pas immédiatement sur les petits détails. Regardez la silhouette globale et la dynamique de la pose. Utilisez des formes simplifiées : Imaginez la tête comme une sphère, le torse comme une boîte ou un cylindre, et les membres comme des bâtons ou des tubes. Ces formes de base vous aident à établir la structure et l’équilibre du corps. Repérez les points de repère : Identifiez les articulations clés (épaules, coudes, hanches, genoux, chevilles). Dessinez des lignes droites pour relier ces points, ce qui vous aidera à positionner correctement les membres et le torse. La ligne d’action : C’est une ligne imaginaire qui traverse le corps et exprime le mouvement et l’équilibre. Elle est la colonne vertébrale de votre dessin. Dessinez-la en premier pour donner de la vie à la pose. La grille de proportion : Pour garantir la justesse des proportions, vous pouvez utiliser une grille ou des lignes de référence. Par exemple, la technique des « 8 têtes » est couramment utilisée en dessin de figure pour situer les différentes parties du corps par rapport à la hauteur de la tête. Amélioration de la Construction Initiale La première étape consiste à consolider et à clarifier la construction de base de la figure, en se concentrant sur les formes géométriques et les lignes d’action. Lignes de Référence : Tracez des lignes plus claires pour le torse, le bassin et les membres, en vous assurant que les proportions sont cohérentes. Axes et Équilibre : Vérifiez la ligne d’équilibre de la figure. L’axe de l’épaule et celui du bassin doivent être clairement définis et montrer le déhanché de la pose. Articulations : Représentez les articulations (épaules, coudes, poignets, hanches, genoux, chevilles) par des cercles ou des ovales pour un meilleur placement des membres. 1. Croquis de base 2. Le Développement Une fois que la structure de base est en place, l’étape du développement consiste à « habiller » cette structure avec de la masse et des contours plus précis. Ajoutez de la masse : À partir des formes géométriques de la phase de construction, vous allez commencer à dessiner les muscles et la chair. Les lignes deviennent plus courbes et organiques. Affinez les contours : Repassez sur vos lignes de construction pour dessiner les contours finaux du corps. Concentrez-vous sur les formes spécifiques des membres et du torse. Intégrez les détails : Ajoutez des détails comme les mains, les pieds et les traits du visage. Ces éléments sont dessinés en respectant la structure que vous avez établie précédemment. Effacez les lignes inutiles : Une fois que vous êtes satisfait des contours, vous pouvez commencer à effacer délicatement les lignes de construction initiales qui ne sont plus nécessaires. Ajout de Volume et de Masse Dans cette étape, nous allons commencer à donner du volume à la figure en « habillant » la structure osseuse avec de la masse musculaire, mais toujours de manière simplifiée. Formes Cylindriques/Ovoïdes : Transformez les lignes des membres en cylindres pour les bras et les jambes. Le torse peut être vu comme un ensemble de formes ovoïdes (cage thoracique et bassin). Contour Global : Dessinez des contours plus doux et plus arrondis pour commencer à définir la silhouette générale du corps. Positionnement de la Tête : Affinez la forme de la tête et assurez-vous que le cou la relie naturellement au torse. Définition des Contours et des Détails C’est ici que le dessin commence à prendre forme avec des contours plus précis et l’intégration des éléments secondaires comme l’instrument. Contours Musculaires : Définissez les contours des muscles principaux, en particulier au niveau des épaules, des bras, des cuisses et des mollets. Mains et Pieds : Esquissez les formes de base des mains tenant la guitare et du pied au sol. Il n’est pas nécessaire de dessiner chaque doigt ou orteil à ce stade, juste la masse générale. La Guitare : Représentez plus clairement la forme de la guitare, en vous assurant qu’elle est bien intégrée dans les mains et contre le corps de la figure. Visage et Cheveux : Ajoutez des lignes directrices pour les traits du visage et donnez une forme plus définie aux cheveux. 2. Ajout des lignes plus définies et nettoyage 3. Les Ombres et les Lumières L’étape finale donne du volume et de la vie à votre dessin. Il s’agit d’appliquer les ombres et les lumières pour créer un effet de tridimensionnalité. Identifiez la source de lumière : Observez d’où vient la lumière sur votre modèle. Cela déterminera où se trouvent les zones de lumière (high-lights) et d’ombre (shadows). Tracez les masses d’ombre : Avant d’ajouter des nuances, il est utile de délimiter les grandes zones d’ombre. Considérez l’ombre comme une forme en soi. Créez des dégradés (hachures ou estompage) : Utilisez différentes techniques comme les hachures (lignes parallèles) ou l’estompage (frottement pour créer des dégradés lisses) pour remplir les zones d’ombre. Plus vous superposez de couches, plus l’ombre est foncée. Ajoutez les reflets et les lumières : Les zones les plus éclairées par la source de lumière peuvent être laissées blanches ou être éclaircies à l’aide d’une gomme à effacer. Ce contraste entre l’ombre et la lumière donne du relief et de la profondeur à votre dessin. Ajout des Hachures et des Premières Ombres Cette étape introduit la notion de lumière et d’ombre pour amplifier la notion de volume. Direction de la Lumière : Décidez d’où vient la source de lumière pour déterminer les zones claires et sombres. Hachures Simples : Appliquez de

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Observations

Personnages / les proportions

PROPORTIONS D’UN PERSONNAGE Les repères (Adulte) : Proportions (adulte, adolescent, enfant) : La taille moyenne d’une personne représente 7,5 fois la hauteur de la tête (y compris la tête). On arrondira à 8 en prenant en compte les pieds. La taille d’une femme peut-être de 7 fois à 7,5 fois la tête. Bien entendu les personnes de grandes voire de très grandes tailles peuvent dépasser ces normes. Rappel : > Un adulte de grande taille (8 fois la tête)> Un adolescent (7 fois la tête). > Un enfant (6 fois la tête). > Un petit enfant (5 fois la tête). > Un nouveau-né (4 fois la tête). > L’épaule est équivalent à la largeur d’une tête (homme taille adulte). La tête Le buste : 2 x (approx.) Le bassin 1 x (approx.) Les cuisses : 2 x (approx.) Les tibias : 1 x (approx.) Bas des tibias + pieds : 1 x (approx.) Les épaules : 1 x (approx.) Les bras : 1 x (approx.)Les avant-bras : 1 x (approx.) Les articulations des coudes viennent se positionner sur la même ligne que le nombril. Article rédigé par Vincent Couppey, Artiste-Peintre /Atelier Impression’Art / 19 septembre 2025© 2025 Tous droits réservés

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Composition et cadrage

Nature-morte / composition florale

nature-morte& composition florale Réalisation d’une composition floraleà partir de 1, 2 ou 3 couleurs… Pensez bien aux nuances/valeurs afin de donner du volume au bouquet !   Sans utiliser les valeurs, il est possible de prendre en compte des couleurs opposées sur le cercle chromatique (complémentaires) en les associant. Par exemple la couleur orange pourra être harmonisée avec sa complémentaire violette. Bonne inspiration !Beaucoup de créativitéet belles compositions florales ! Collage papiers épais peints à l’acrylique Variations de combinaisons de couleurs – Peintures numériques Article rédigé par Vincent Couppey, Artiste-Peintre /Atelier Impression’Art / 14 septembre 2025© 2025 Tous droits réservés

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Composition et cadrage

Construction et interprétation / compositions et surfaces

COULEURS COMPOSITIONS ET SURFACES Nous avons déjà dessiné une nature morte composée d’éléments simples (bouteille, bol, cuillère, fruits,…). Interprétée de façon figurative respectant la construction, la composition et le cadrage, l’idée réside dans l’interprétation et l’ambiance que l’on souhaite traduire dans son dessin ou sa peinture. Le mode figuratif fragmenté en surfaces de couleurs penche légèrement vers l’abstraction ! Cette nouvelle séance va nous permettre de dessiner ou peindre un sujet composé de surfaces variées. Elles devront mettre en évidence le thème choisi. Cet exercice a pour but de mettre en pratique plusieurs cas de figures : les couleurs chaudes ou froides, les valeurs assurant le contraste de la composition choisie, des camaïeux de couleurs sur certaines parties du sujet… Bien entendu, il sera indispensable de veiller à assurer une bonne répartition des surfaces afin d’avoir la meilleure lecture possible. L’emploi des plans principaux est envisageable mais pas obligatoire. Ne pas oublier que c’est la couleur utilisée qui permettra la bonne lecture du tableau. Pourquoi l’emploi des plans principaux dans la composition n’est pas indispensable dans cet exercice ? Notre œil est sensible à la densité de la couleur. Ainsi, une couleur très sombre pourra figurer en arrière-plan et une couleur très lumineuse en premier plan ce qui attirera plus notre attention, en opposition avec le mode traditionnel dans lequel nous utilisons les plans avec des valeurs allant du plus foncé pour le premier plan au plus clair pour l’arrière plan. Bonne créativité et belles compositions ! INTERPRÉTATION DU SUJET EN VALEURS FONCÉES ET CLAIRES Photo originale Gamme de gris : Traduction du sujet par facettes ou surfacescontenant des aplats de valeurs différentes Décomposition d’un dessin en surfaces et formes libres 1/ Modèle 2/ Décomposition du modèle en formes diverses  3/ Définition des surfacesavant mise en couleurs Variations de combinaisons de couleurs Article rédigé par Vincent Couppey, Artiste-Peintre /Atelier Impression’Art /13 septembre 2025© 2025 Tous droits réservés

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Construction

Construction d’un Jeux d’echec / seconde méthode

CONSTRUCTION D’UN JEUX D’ÉCHEC SECONDE MÉTHODE 1/ Modèle 2/ PLACEMENT DES REPÈRES – INTERSECTION ENTRE LES DIAGONALES DU DAMIER ET LE BORD DU CADRE. 3/ TRACÉ DES REPÈRES – DÉFINITION GRAPHIQUE DU DAMIER 4/ PLACEMENT DES REPÈRES 5/ PLACEMENT DES BLOCS – RAPPORT HAUTEUR/LARGEUR 6/ DESSIN ESQUISSÉ DES PIÈCES D’ECHECS 7/ AMÉLIORATION DU DESSIN DES PIÈCES – DESSIN DE LA MAIN 8/ MISE EN COULEURS SOMMAIRES DU DAMIER 9/ MISE EN COULEURS SOMMAIRES DES PIÈCES 10/ MISE EN COULEURS SOMMAIRES DE LA MAIN Article rédigé par Vincent Couppey, Artiste-Peintre /Atelier Impression’Art /13 septembre 2025© 2025 Tous droits réservés

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Construction

Construction d’un Jeux d’echec / première méthode

CONSTRUCTION D’UN JEUX D’ÉCHEC PREMIÈRE MÉTHODE 1/ Modèle 2/ PLACEMENT DES REPÈRES 3/ PLACEMENT DES BLOCS – RAPPORT HAUTEUR/LARGEUR 4/ DESSIN ESQUISSÉ DES PIÈCES D’ECHECS 5/ AMÉLIORATION DU DESSIN DES PIÈCES – DESSIN DE LA MAIN 6/ ESQUISSE DU DAMIER 7/ MISE EN COULEURS SOMMAIRES DU DAMIER 8/ MISE EN COULEURS SOMMAIRES DES PIÈCES 9/ MISE EN COULEURS SOMMAIRES DE LA MAIN 10/ AMÉLIORATION DE L’ENSEMBLE DU TABLEAU Article rédigé par Vincent Couppey, Artiste-Peintre /Atelier Impression’Art /13 septembre 2025© 2025 Tous droits réservés

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Composition et cadrage

Nature-morte / étude

ÉTUDE D’UNE NATURE-MORTE Les points importants : Composition de différents objets dans un souci d’harmonie et d’esthétique, Travail d’observation, Esquisse de la composition tenant compte de tous les éléments, Les différents plans dans la composition (objets en arrière-plan, objets en premier-plan), Le développement du dessin, Les valeurs pour le dessin et la couleur pour la peinture, La lumière et l’ombre, La matière des objets … Au cours de cette intervention, nous allons mettre en pratique l’étude, l’observation et le développement sur papier ou sur toile de la composition d’une nature morte comprenant quelques objets que nous choisirons.L’intérêt de ce sujet est de voir comment harmoniser au mieux l’interaction de ces objets en tenant compte de leur proportions respectives (grandeur, hauteur, volume, valeur,…). Développement de la composition et mise en valeur ou couleur Matériel nécessaire Pour le dessin : Crayons HB, B, 2B à 8B et gomme mie de pain – Fusain – Bloc A4 ou A3. Pour la peinture : Acrylique, huile (couleur primaire minimum ou autre couleur) – Pinceaux – Brosse de tailles petites, moyennes et grandes. Palette large – Toiles format environ 50 cm x 60 cm. Chevalet si possible. Les grands axes de notre séance : DESSIN :1/ Dans un premier temps, nous composerons notre nature morte qui devra comporter des éléments de tailles et de volumes divers dans un soucis d’harmonisation. 2/ Ensuite, nous définirons le cadre dans lequel s’inscrira le dessin ou la peinture et très légèrement l’esquisse de la composition globale sera placée dans la surface définie. Éviter le détail dans un premier temps.3/ Après avoir ébauché le sujet, nous passerons à la phase de développement du dessin, en observant avec soin la composition générale, mais également la forme de chaque objet. Cette phase de construction est importante car c’est la structure sur laquelle va venir se greffer le renforcement des valeurs (dessin) et de la couleur (peinture) dans les étapes suivantes. VALEURS ET COULEURS :4/ Le dessin et les proportions des objets étant respectés, le renforcement des valeurs (dessin) ou la mise en couleur (peinture) sera amorcé. Si possible, des valeurs claires ou des couleurs claires seront placées sur l’ensemble de la composition afin d’en apprécier l’allure générale.5/ Renforcer les valeurs ou les couleurs. ÉTAPES DE DÉVELOPPEMENT Au travers de cette intervention, nous allons mettre en pratique l’étude, l’observation et le développement de la composition d’une nature morte(nombre d’objets à définir). 1/ Cadre de placement et esquisse intégrale de la composition précédemment observée. 2/ Observation et mise en place du dessin avec une facture très libre. Ne pas tenir compte du détail à ce stade. 3/ Après l’ébauche, la phase du développement du dessin. 4/ Placement des valeurs légères sur l’ensemble du dessin. 5/ Renforcement des valeurs et mise en place du détail. 6/ Renforcement des valeurs (dessin) et mise en place des couleurs claires (peinture) dans un premier temps, puis plus foncées par lasuite. Article rédigé par Vincent Couppey, Artiste-Peintre /Atelier Impression’Art /10 septembre 2025.© 2025 Tous droits réservés

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Construction

Nature-morte / développement

développement d’un TABLEAUDE TYPE NATURE-MORTE Cet exercice est très complet car il regroupe plusieurs étapes à prendre en compte pour mener à bien le développement de ce sujet. 1/ CADRE DE PLACEMENT : une étape essentielle Avant de commencer le dessin, tracez à main levée un cadre de placement à environ 1 cm du bord de la feuille. Ce cadre sert de repère visuel pour vous aider à centrer correctement le sujet dans l’espace de travail (voir fig. 1). Il ne fait pas partie du dessin final et sera progressivement estompé au fil de l’évolution. Pour cet exercice, le centrage du sujet est une consigne importante à respecter. Il contribue à une composition équilibrée dès les premières étapes.   À noter : Ce type de présentation est spécifique à cet exercice. D’autres formats et mises en page seront explorés dans les prochaines séances pour enrichir votre pratique. * Pour les techniques acrylique/huile, les étapes de développementcitées au cours de cette notice explicative sont similaires. 2/ esquisse préparatoire : poser les bases Le sujet est d’abord esquissé sous forme de croquis sommaire, sans chercher à représenter les détails. À ce stade, l’attention doit se porter uniquement sur les proportions et l’allure générale des formes qui composent la nature morte (voir fig. 2).   L’objectif : établir une structure solide et équilibrée avant d’affiner le dessin. 3/ CONSTRUCTION ET DÉVELOPPEMENT DU DESSIN La mise en forme de la nature morte prend progressivement corps. Dès cette étape, la construction doit rester présente et guider le dessinateur tout au long du processus, jusqu’à l’achèvement du dessin.   Même à un stade avancé, il est important de rester attentif aux erreurs de construction. Si certaines sont repérées, n’hésitez pas à les corriger dans la mesure du possible : une bonne structure renforce la cohérence et la qualité du rendu final. 4/ DÉVELOPPEMENT DU DESSIN /PEINTURE Nous pouvons constater que le “cadre de placement” est toujours présent, mais il va disparaître dès l’étape suivante (n°5) de mise en valeur (blanc / variation des gris-couleurs / noir).    Le détail apparaît de plus en plus sur la construction de l‘œuvre. C’est l’ultime phase de développement du dessin avant la mise en valeur ou en couleurs s’il s’agit de peinture. 5/ DERNIÈRE PHASE AVANT LA MISE EN VALEUR À ce stade, le cadre de placement s’efface complètement. Cette étape 5 consacrée à la mise en valeur présente l’application des blancs, des variations de gris, des couleurs et des noirs. La construction du dessin est désormais bien avancée, et les détails commencent à émerger avec plus de précision. Cette étape marque la transition entre la structure et l’expression : le dessin atteint sa maturité formelle et se prépare à recevoir les valeurs ou les couleurs, selon qu’il s’agisse d’un travail en noir et blanc ou en peinture. C’est une phase cruciale où l’on affine les formes, ajuste les volumes et prépare la surface à accueillir les contrastes et les nuances qui donneront toute sa force à l’œuvre. 6/ DÉVELOPPEMENT DES COULEURS, CONTRASTE, LUMIÈRE ET OMBRES À cette étape, les valeurs et les couleurs sont progressivement intensifiées afin d’obtenir un rendu fidèle et expressif, en cohérence avec le modèle observé. En parallèle, il est essentiel d’ajuster soigneusement les contrastes pour accentuer la lumière ambiante et donner de la profondeur à la composition. Les volumes prennent forme grâce à ces contrastes, révélant les textures spécifiques des matériaux représentés — qu’il s’agisse de verre, de tissu, de métal ou de pierre.   Cette phase permet de faire émerger la richesse visuelle de l’œuvre, en jouant sur les nuances et les oppositions pour créer une image vivante et structurée. Conversion de la simili noire en mode couleur Récapitulatif Cette notice présente de manière simple et structurée les étapes essentielles à suivrepour favoriser une progression cohérente et réussie d’un dessin ou d’une peinture.En respectant cette méthode, le résultat final gagnera en qualité et en équilibre. Lors du développement de cette nature morte (étapes 1 à 6), il est primordial de veiller à faire évoluerl’ensemble du dessin de façon harmonieuse, sans négliger aucune partie.Une progression équilibrée garantit une composition plus aboutie et visuellement cohérente. Article rédigé par Vincent Couppey, Artiste-Peintre /Atelier Impression’Art /8 septembre 2025.Une amélioration du style et des tournures de phrase à été apportée via IA Microsoft Copilot.© 2025 Tous droits réservés

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